Uno dei miei dischi da isola deserta ha il nome di un’isola, o meglio di un arcipelago di isole delle Bahamas: le Exuma. In realtà non sono proprio deserte, anzi ci sono circa 7mila abitanti ai quali immagino si aggiungano molti turisti, dato che, a una rapida occhiata su Google Immagini, sembra uno di quei posti che si possono riassumere con l’espressione “paradiso terrestre”. Ma Exuma è anche il nome d’arte di Macfarlane Gregory Anthony Mackey, che però era nato in un’altra isola delle Bahamas, Cat Island. Il suo omonimo disco d’esordio è del 1970 ed è la risposta alla domanda “cosa succede se un musicista delle Bahamas va a vivere a New York e unisce magia, atmosfere e ritmi caraibici con musica folk, psichedelia anni 70 e rock americano?”. La risposta è Exuma. Sette canzoni perfette. Da portare su un’isola deserta, appunto.

Quando l’ho scaricato per la prima volta, del tutto casualmente, mi aveva colpito la serie di tag: calypso, reggae, folk, african, psychedelic, country. L’anonimo uploader aveva avuto qualche problema nel definirlo, ma aveva anche stimolato la mia curiosità. Quando poi mi sono trovato di fronte a una copertina naif (disegnata dallo stesso Exuma), che mi ricordava il primitivismo di Basquiat, e alla voce di un pazzo che salutava tutti dicendo di essere The Obeah Man – cioè una specie di stregone dei Caraibi – la mia curiosità si è trasformata velocemente in gioia e contentezza di fronte alla meraviglia della scoperta.

In sintesi: consigliato e straconsigliato, così come i successivi Exuma II (ancora più fuori di testa) e Do Wah Nanny. La discografia continua, ma io per ora mi sono fermato là, anche perché mi ci sono voluti due mesi solo per uscire dal primo, dove però ritorno spesso e volentieri. Ci sarebbe molto altro da dire, ma è uno di quei casi in cui è meglio semplicemente schiacciare play e partire. E anche se Exuma è morto nel 1999, condivido quello che dicono in questa pagina: Musician, painter and poet, Exuma lives!

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Exuma – Exuma, The Obeah Man

Sarà che sono diventato estremamente selettivo, o se preferite uno stronzo misantropo e accidioso, comunque ormai vado a pochi/pochissimi concerti, tanto che i due migliori di questa estate sono anche gli unici due a cui ho assistito, entrambi dietro casa, nel giro di 48 ore.

Speed Caravan a Nurachi, 2 agosto 2011

Quasi visto due anni fa, ascoltato spesso in questi due anni, finalmente sono riuscito a intercettare Speed Caravan, il progetto del mago dell’oud Mehdi Hadda, psichedelico, travolgente, indefinibile. E’ come se i Motorhead facessero dance araba. A un certo punto del concerto ha introdotto un pezzo dicendo che andava fatto “forte e veloce”, e ditemi voi se non vi ricorda qualcuno. Melodie ipnotiche che per comodità definiamo arabeggianti a cui però viene dato fuoco elettrico e amplificato, su imprevedibili basi dance: molto forte, molto veloce, MOLTO BELLO. Come sospettavo è musica che su cd o su youtube rende meno di un decimo di quanto rende dal vivo. Immancabile nel finale la cover di Galvanize e una Dady Lolo destrutturata e irriconoscibile, molto bella. Essere selettivi premia.

Mulatu Astatke a Oristano, 4 agosto 2011

Confesso, questo post ha richiesto più stesure, dato che nelle prime sembravo Paolo Brosio che parla della Madonna di Medjugorje. L’entusiasmo post-concerto può essere molto imbarazzante, per quanto, in questo caso, assolutamente motivato, dato che quello di Mulatu Astatke non è stato solo il concerto più bello di quest’estate e di quest’anno, ma anche uno dei più belli di sempre. E dico davvero. Scoprire musica così (anche se l’avevo già sentito in passato, ma non mi aveva sconvolto: com’è possibile?) e scoprirla dal vivo, diciamo in carne ed ossa e luci colorate, è stata un’esperienza psico-fisica di cui fare scorta per i mesi invernali. Sul palco Re Mulatu e sette musicisti uno-più-bravo-dell’altro. E voglio scrivere anche i loro nomi perchè se lo meritano: Byron Wallen, James Arben, Danny Keane, Alex Hawkins, John Edwards, Tom Skinner, Richard Olatunde Baker. Ma giustamente qualcuno potrebbe chiedersi chi è Mulatu. Dunque.

Etiope, ha studiato e vissuto a Londra, New York e Boston, dove è stato il primo studente africano al Berklee college of music. Polistrumentista, specializzato in vibrafono, piano e conga, è conosciuto come “godfather of ethio-jazz”, che sarebbe jazz però con elementi della musica popolare etiope, ritmi latini, venature psichedeliche, melodie malinconiche e stregate. E cioè? Appunto. Durante il concerto ogni tanto capitava di sentire qualche suono che non si capiva che suono fosse e soprattutto da dove provenisse. E in quel momento, a bocca aperta, alla ricerca di una spiegazione, guardavo Mulatu che non suonava ma dirigeva gli altri musicisti con espressioni di soddisfazione e godimento. Ogni tanto poi attendeva un suono e quando il suono arrivava Mulatu annuiva convinto e soddisfatto, come a dire: “Perfetto, lo volevo esattamente lì, esattamente così”. E’ l’ethio- jazz. Lui sa cos’è.

Quali dischi comprare? Cominciamo col dire che il disco Mulatu of Ethiopia, anno 1977, porta il marchio dell’Ethiopia Airlines ed è stata la colonna sonora ufficiale in aerei e aeroporti etiopi. Ma probabilmente Mulatu sarebbe rimasto una leggenda per pochi esperti di giàs, se non fosse stato riscoperto qualche anno fa grazie alla colonna sonora del film Broken Flowers di Jim Jarmusch – inutile negarlo, è per questo che noi lo conosciamo – dove tre dei suoi brani più belli e ipnotici venivano ripetuti più volte. Qualche anno dopo poi è arrivato il disco che ha conquistato i cuori di tutti, quello con gli Heliocentrics, Inspiration Information, consigliatissimo.

Ma il disco fondamentale da avere e consumare è senza dubbio Éthiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, antologia del periodo 1969/1974. Fondamentale perchè contiene tutti i classici. Nel 2010 poi è uscito l’ultimo Mulatu Steps Ahead, di cui su internet gira una versione promo con la voce di Mulatu che interviene durante i pezzi, introducendoli o sovrapponendosi con frasi tipo “Questo è Mulatu Astatke, e voi state ascoltando il mio nuovo album”. L’idea della casa discografica era di inserire un elemento di disturbo in modo da scoraggiare la pirateria, dato che il feticista della musica, e in particolare quello del giàs, come prima cosa nella sua vita mette la qualità dell’ascolto. Prima di tutto, anche prima della salute della mamma e dei figli. Peccato però che questa versione, come ha giustamente notato qualcun altro prima di me, ha finito per impreziosire il disco, con la voce calda di Mulatu che sembra quella di un dj di una radio blaxploitation, praticamente perfetto. Quindi il consiglio è di acquistare il disco originale, ok, ma anche di scaricare la copia promo con la voce di Mulatu. E insomma mi sembra di aver detto tutto, forse anche troppo. Ah, qui alcuni video dello storico concerto.

Nota: Entrambi i concerti facevano parte del Dromos Festival, bellissimo festival di musica bellissima, quasi sempre dietro casa mia, che diventa ancora più bello quando offre prezzi, diciamo così, “popolari”. Comunque ringrazio di cuore gli organizzatori per le ottime scelte. L’anno prossimo magari portatemi dietro casa anche Omar Souleyman e i Group Bombino, così mi farete ancora più felice.

Altra nota: se fra chi legge c’è qualcuno che usa Wikipedia, vi prego, cambiate l’orribile foto che campeggia nella pagina dedicata a Mulatu. 

Ambient epico e spaziale, proprio quello che ci voleva. Condizioni ideali per l’ascolto: notte d’estate, cuffie, solitudine, leggera brezza che entra dalla finestra, screensaver di Windows “Aurora” (è stato un caso ma si è rivelato perfetto) e lettura di uno dei capolavori di Heinlein, Orfani del cielo, dove l’equipaggio di un’astronave, dopo un viaggio che dura da molte generazioni, non sa più di essere all’interno di una nave che vaga nello spazio ma anzi pensa che l’universo intero finisca dove finiscono le pareti, finchè qualcuno non scopre le stelle e capisce che è tutto molto più grande e che forse c’è qualcosa là fuori.

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Blanck Mass – Sundowner

Ah, Blanck Mass è Benjamin John Power, cioè metà Fuck Buttons (e infatti si sente). Segnalo anche il video di Icke’s Struggle.

Sono pochi gli album che quando li senti hai l’impressione che vengano attivate aree del cervello normalmente inattive. Questo è uno di quelli. Uno stato di pace perfetto per queste terribili e grigie giornate di vento, pioggia, tempesta e neve (non guardate fuori dalla finestra, è il mio meteo interiore). Houria Ivanan è il primo pseudonimo della cantante berbera, più precisamente della Cabilia, cioè nord Algeria, Nora At Brahim.

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Houria Ivanan – Tghaded Iyi A Weltma

Tghaded Iyi A Weltma è il primo pezzo da sentire, mentre Ataya Lghaci è il pezzo da sentire per ultimo, cioè proprio prima di morire, sperando che le teorie folli di alcuni scienziati pazzi che pensano che l’ultima cosa che senti prima di morire la senti per sempre siano vere.

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Houria Ivanan – Ataya Lghaci

L’album è del 1984 e si può scaricare da qui.

A un certo punto della sua vita Mino Reitano, probabilmente in cerca di una rinnovata fama, tentò la strada dell’autoironia con alcune ingenue partecipazioni televisive che lo trasformarono in macchietta comica. Oltre alle sempre più folli interpretazioni di “Italia”, il suo cavallo di battaglia, ricordiamo anche la mitologica cover di “Basket Case” dei Green Day al Costanzo Show, ma soprattutto l’inquietante cover di “Final Countdown” degli Europe. Chiunque abbia mai visto quelle terrificanti immagini, anche una volta sola, anche solo di sfuggita, se le ricorda ancora come un incubo indelebile: Mino Reitano vestito da pilota militare, appeso al soffitto, che si sbraccia e urla circondato da ballerini, luci da discoteca e pubblico in delirio. Se mai ci sarà un golpe militare firmato Mediaset, sappiate che sarà così.

Le sue intenzioni erano senza dubbio ironiche e ingenue, eppure i risultati di questi esperimenti post-moderni (che forse un giorno qualcuno rivaluterà, chissà) sono sotto gli occhi di tutti: e sono tristi e squallidi, certamente non all’altezza del Reitano dei tempi d’oro. Si riprese poi nel 2002, a San Remo, con la dignitosa e sanremissima “La mia canzone”, dimostrando che sapeva ancora essere pop – proprio nel senso di popolare – senza per forza doversi mascherare da pupazzo acido del Ministero della Propaganda di Cologno Monzese. La canzone era perfettamente anni 50/60, quindi adatta a San Remo, e Mino fece una bella figura, anche se arrivò agli ultimi posti, giusto prima delle Lollipop.

Ma molto prima delle Lollipop e di queste buffonate televisive, più di trent’anni prima, Mino aveva tirato fuori dalla sua ugola spericolata una cover insolita quanto le altre future, ma – diversamente dalle altre – davvero bella.

Si chiama “Prendi fra le mani la testa” ed è una canzone scritta da Mogol e Battisti, portata al successo da Ricky Maiocchi e in seguito cantata dallo stesso Battisti e anche da Ranieri. Ma queste due ultime versioni non sono nulla in confronto a quella esplosiva e catartica di Reitano del 1969. Nello stile non si discosta molto dall’originale di Maiocchi, ma l’interpretazione è più tesa e disperata, con la voce continuamente sul punto di esplodere in acuti alla Ian Gillan, oltre la soglia della sopportabilità, per un pezzo che potremmo definire quasi hard-rock se non addirittura proto-metal (il pezzo proto-metal per eccellenza, “Helter skelter” dei Beatles, è solo dell’anno prima). Insomma, anche qua si discostava dal suo genere popolare-strappalacrime, quello dell’immigrato con la valigia di cartone, nel tentativo di emulare qualcosa di più “giovane” e rock and roll. Però –  a differenza degli sciagurati esperimenti futuri – non solo ci riusciva: ma ci riusciva benissimo, dando maggiore carattere al pezzo e superando con abilità l’originale, grazie a una strana atmosfera di psichedelica disperazione.

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Mino Reitano – Prendi fra le mani la testa

Esiste anche un bel video in bianco e nero con un Reitano stile Swinging London che canta e balla. La versione integrale sembra introvabile, ma se ne possono vedere alcuni secondi in questo video tratto da un programma di Rai Storia (qui la puntata intera dedicata a Reitano). E comunque sì: ho scritto un post così lungo su un solo pezzo di Mino Reitano.